Vgskole/OpenClass kan ikke garantere kvaliteten verken mht. innhold eller språk! Innkomne lesetips Lesekunst - Dagbladet (Evy) - Lesekunst: Forfattere - Lesekunst: Teorier - Lesekunst: Fenomenologi Summary of Gerard Genette - "Structuralism and Literary Criticism" (Evy) Immanuel Kant (Jon) Paul de Man’s “Semiology and Rhetoric” (Jon) I mine notat høyrer Bakhtin heime i Moskva sammen med Roman Jakobson, men eg vil og tipse dykk om nokre litteratursider som er å finne på nrk.no/litteratur/lesekunst. Der argumenterast det for at Bakhtin skilde seg frå formalistane på ulike punkt. I tillegg er det der ei oversikt over formalismen generelt, sammen med fyldige omtaler av alle dei retningane me er innom i pensumet vårt. Absolutt å anbefale. I denne teksten tek Bakhtin for seg romanen Onegin av Pushkin. Han kjem med fleire eksempel på at romanen brukar ulike språksjangerar for ulike personar. Fortellarstemma har og ein egen sjanger og denne er i dialog med dei andre sjangarane i romanen. Ein slik dialog mellom ulike stemmer/språk er eit fundamentalt element i all romansjanger seier Bakhtin. Slik dialogisme er eit av hovudtema hos Bakhtin. Slik eg har forstått det (etter å ha klikka meg litt rundt på emnet) forstår Bakhtin språk fyrst og fremst som et kommunikativt instrument. Innad i ein tekst vil vi dermed da finne dialogar mellom ulike aktørar. Også forfattaren kan ta del i denne dialogen. På side 45 sier han "The hero is located in a zone of potential conversation with the author, in a zone of dialogical contact." Side 46: "..the author is in a dialogical relationship with Onegin's language; the author is actually conversing with Onegin, and such a conversation is the fundamental constitutive element of all novelistic style as well as of the controlling image of Onegin's language." Desse ulike språka som er i bruk i teksten blir objekt i seg sjølve – dei blir framstilt/representert samstundes som dei og framstiller/representerer noko utanfor seg sjølv. "All these languages, ...., themselves become the object of representation, are presented as images og whole languages, characteristically typical images, highly limited and sometimes almost comical. But at the same time these represented languages themselves do the work of representing to a significant degree." (s. 47) Trur eg forstår det dithen at som del av språket er ikkje bare den reine lingvistiske delen, men språket vert ståande som ein representant for ulike stilar, verdsoppfatningar ol. Det er alt dette som språket representerer som kjem i dialog med kvarandre. Ulike lesarar vil oppfatte ulike sider av det som vert representert og dermed oppfatte ulike dialogar. Lesaren vert altså ein del av prosessen, noko som skiljer Bakhtin frå dei andre formalistane som kun har fokus på teksten. Ettersom ein roman slik alltid vil vere i dialog med sitt eget språk vil den alltid vere sjølvkritisk. Dette skiljer den frå andre sjangerar som epos, lyrikk og drama. Desse sistnevnte er “straight-forward” utan ein diskurs som kan vise deira potensiale og avsløre deira djupare meining, såkalla indirekte diskurs. Et par sentrale avsnitt i så måte finn du nederst på side 49 og på toppen av side 50. Romanen er ein ny sjanger, men indirekte diskurs har vore brukt lenge. Den har utvikla seg på grensa mellom kultur og språk. To faktorar skiljer seg ut: latter og polyglossia. (Dermed har me komme fram til det tittelen seier me skal få veta noko om; forhistoria til romanens diskurs) II Parodi Bakhtin byrjar med eit eksempel frå Don Quijote som startar med nokre parodiske sonetter. Desse er ikkje sjangermessig egentlege sonetter, men bilete, eller representasjonar av sonetter. Sonetta i seg sjølv er hovudperson, den er ikkje lenger ei form, men eit objekt. (s.51) Tekster som parodierer ein sjanger vert ikkje ein del av denne sjangeren, men lagar eit bilete av sjangeren. Alle desse parodianevert del av ei eiga verd som latterleggjer den streite seriøse verda. Denne nye verda er mykje rikare enn det me vanlegvis trur. Bakhtin hevdar at viktigheten av dei parodiske formane er svært stor. Heilt sidan antikken har alle typer direkte diskurs blitt parodiert - hatt sin eigen komiske contre partie. (Denne parodien vert da ein indirekte diskurs - ein tekst som set andre sine ord i hermeteikn og kommenterer dei - bare for å ha det heilt klart) Ein slik parodi vil fungere som eit slags "latterens korrektiv" til den seriøse og einsidige direkte diskursen. Dette korrektivet vil vere meir fundamentalt og ikkje minst for samansett til å passe inn i ein vanleg streit sjanger. (s. 55) Sjølve sjangeren vert parodiert, ikkje historia. Det er heltegjeringa av Odyssevs som skal latterleggjerast, ikkje Odyssevs som person. Latter er eit like grunnleggande produkt av romertida som det lovane var. Lærte resten av Europa kunsten å latterleggjera – og logikken bak det; den seriøse forma var for dei bare eit fragment, og vart fyrst fullstendig når parodien kom og utfylte den. Som nevnt vil alle dei ulike formene for parodi utgjer ei eiga verd der dei alle skaper eit korrektiv til “normale” sjangerar, stilartar, stemmer og språk og lar oss sjå bak formene der me finn ei røynd som er sjølvmotsigande. Denne nye verda kan sjåast som ein roman, og denne romanen banar veg for den moderne romanen som sjanger – forma av mange stilar og bilete. (s 59-60) Mi tolking av dette er at på samme måte som ein parodi vil ta opp i seg og kommentere ein direkte diskurs, vil ein roman innehalde ulike språk og sjangerar som den kommenterer og har ein diaolg med (jmf eksempla frå Onegin) Bakhtin kjem her til eit sentralt begrep, nemleg heteroglossia. Dette skal vise til ulike stemmer og dialekter innad i eit og same språk. Ein oppnår heteroglossia ved hjelp av parodi ved at ein da set søkelys på dei ulike stemmene. Dei gamle parodiane forberedte grunnen for den moderne romanen ved at dei frigjorde objektet frå makta til språket - dei skapte avstand mellom språk og virkelighet. Den skapande kunstnaren byrja sjå på språket frå utsida, frå ståstaden til eit potensielt anna språk. Ein som skaper direkte ord - anten episk, tragisk eller lyrisk - utviklar, forstår og presenterer objektet sitt på sitt eige språk. Det fungerer som verktøy på alle nivå (monoglossia). Parodiens fokus vil og verte retta mot det same objektet, men vil i tillegg rette seg mot ein annan sine ord om dette same objektet. Språket vert transformert fr"eit absolutt dogme, til ei hypotese for å forstå og uttrykke virkeligheten. Ein full transformasjon kan likevel ikkje finne stad før ved ein gjennomgåande polyglossia. Polyglossia Språket gjekk altså frå å vera eit absolutt dogme i eit avstengd monoglossia (einspråkleghet) til ei hypotese for å gripe og uttrykke røynda. Ein slik transformasjon kan bare gå føre ved ei gjennomgåande polyglossia (fleirspråkleghet) Ein kan bare forstå sitt eige språk i lys av eit anna. Det som da står fram er språkets stil som heilhet – ein konkret stil, ikkje eit abstrakt lingvistisk system. Denne stilen ar uoversettelig og preger språket som helhet. Romersk litteratur såg seg sjølv fyrst og fremst i lys av det greske språket og hadde ein bilingual bevissthet. På hellenistisk grunn (som også inkluderte flere enn de to nevnte språkene) vart det moglege å skape ein maksimal avstand mellom språkbrukeren og språket. Bare i slike omstende kunne den romerske latteren utvikle seg som den gjorde. Den moderne europeiske romanen (etter det 17. århundre) er prega av kampen mellom to tendensar i europeiske språk; sentralisering (enhetliggjøring av språket) og desentralisering (stratifisering / nivåinndeling av språket) Ein roman vil anten tjene den eine eller den andre tendensen i større eller mindre grad. Språkleg ulikhet innad i språket er derfor viktig for ein roman, men slike ulikheter oppnår kreativ bevissthet fyrst når polyglossia er til stades. Moderne europeiske språk har nærma seg monoglossia, men romanane reflekterer framleis polyglossiaen frå Middelalderen og Antikken. (s 67-68) III I parodien hadde ein eit stilproblem i forhold til sitater – komplekst forhold til andres ord. Grensene mellom eigne og andres ord var fleksible. Også Bibelen og orda åt autoritetane vart parodiert, utan at dette vart sett som blasfemisk eller gale. Dagens språk kjenner ingen heilage ord fordi dei blei skapt ut av ein parodi av den heilage skrift. I moderne tid er parodiens funksjon innskrenka - den har fått ein ubetydeleg plass i litteraturen. Språket er demokratisert, det komplekse og nivåinndelte hierarkiske systemet av diskurs, form, bilete og stil som før gjennomsyra det offisielle språket og den språklege bevisstheten, vart borte under den lingvistiske revolusjonen under renessansen (?) (s. 71) Eg trur eg forstår det dithen at moderne europeisk språk ikkje lenger har mange ulike former, slik at me heller ikkje har nok form å parodiere. Så mot slutten kjem Bakhtin tilbake til dialog i teksten. Han sier at i ein parodi er det to språk til stades. Språket som vert parodiert, og det språket som utfører parodien. Dei to språka krysser kvarandre, så og to stilar, to to lingvistiske ståstadar og dessutan to talende subjekt. Bare det språket som vert parodiert vert presentert som det egentleg er, det andre språket er usynleg til stades, som ein bakgrunn for det andre. Dei to språka er i dialog med kvarandre. (s 75-76) Han går tilbake til antikken igjen og fortel på eit vis same historia om att, bare nå med utgangspunkt i at parodien er dialogiserande. (Eller kanskje det bare er eg som har lese meg blind på heile artikkelen) I denne artikkelen imøtegår Saussure oppfatningen at språk når alt kommer til alt bare er en navneliste som korresponderer med ulike ting. For eksempel:
Saussure hevder at dette synspunktet kan imøtegås på mange måter, blant annet:
Det lingvistiske tegnet er en psykologisk enhet. Lydmønsterets psykologiske natur blir klargjort når vi tar i betraktning vår egen lingvistiske aktivitet: Uten å bevege verken lepper eller tunge, kan vi snakke med oss selv eller stille resitere et dikt. Det lingvistiske tegns tosidige natur kan illustreres som følger:
Disse to elementene er intimt forbundet og utløser hverandre gjensidig. Imidlertid reiser denne definisjonen et viktig spørsmål om terminologi: I vår terminologi er et tegn en kombinasjon av et lydmønster og et begrep. Men i daglig bruk refererer termen ”tegn” vanligvis til lydmønsteret alene. Vi glemmer at hvis lydmønsteret ”KU” kalles et tegn, er det kun fordi det bærer med seg begrepet ”KU”, slik at den sensoriske delen av termen innebærer en referanse til helheten. For å unngå tvetydighet beholder vi termen ”tegn”, men erstatter ”begrep” med ”betydning” og ”lydmønster” med ”signal”. Tegnets to bestanddeler kan da illustreres som følger:
Studiet av det lingvistiske tegnet baseres på to prinsipper: 1. PRINSIPP: TEGNET ER VILKÅRLIG Det finnes ingen intern forbindelse mellom signal og betydning. Dette går tydelig fram av at forskjellige språk benytter ulike signal for samme betydning (søster = sister = schwester = soeur = hermana). Selve eksistensen av flere språk viser at det ikke kan være noen intern forbindelse mellom signal (lydmønster) og betydning (begrep). Ovenstående er lingvistikkens organiserende prinsipp, betraktet som en språkstrukturvitenskap. Enhver uttrykksmåte som er akseptert i et samfunn er basert på en kollektiv vane eller skikk. Denne vanen blir gjort til regel, og det er denne regelen som gjør dem obligatoriske – ikke deres iboende verdi. (Det vil si: når vi innenfor et samfunn/språkområde har for vane å bruke signalet ”KU” for betydningen ”KU” – så er dette en regel fordi vi er enige om dette. Det er ikke noe iboende i signalet ”KU” som innebærer at vi bruker nettopp dette og ikke et annet signal). Noen ganger brukes ”symbol” for å betegne det vi kaller ”signal”. ”Symbol” kan vanskelig brukes i denne forbindelse, fordi det er karakteristisk for symboler at de aldri er helt vilkårlige. (For eksempel symbolet for rettferdighet – vekten – kunne neppe vært byttet ut med en stridsvogn). Ordet ”vilkårlig” bør også kommenteres. Det innebærer bare at signalet er umotivert, det vil si vilkårlig i forhold til dets betydning. Mange vil mene at eksistensen av onomatopoetiske ord og utrop imøtegår prinsippet om at signalet er vilkårlig. Dette imøtegår Saussure på følgende måte:
2. PRINSIPP: SIGNALET HAR EN LINEÆR KARAKTER Ettersom det lingvistiske tegnet er auditivt, har det et temporalt aspekt og derfor visse karakteristika:
Selv om vi legger vekt på enkelte stavelser er det ikke slik at vi presenterer flere betydningsfulle trekk samtidig. Det er kun én fonetisk handling selv om der er flere kontraster i forhold til det som går foran og det som kommer etter.
Poetikkens problemstilling: Hva gjør et verbalt utsagn til et kunstverk?
Problemstilling: Hvilke sider ved språket er skadet ved afasi eller språkløshet?
Den afatiske defekt i evnen til å benevne er i egentlig forstand et tap av metaspråk. Han kan ikke skifte fra et ord til dets synonym eller omskrivning. Tap av tospråklighet er ofte følgen av denne forstyrrelse, likeså evnen til å forstå andre dialekter. Av figurene metafor og metonymi er metonymi foretrukket av afatikere med forstyrelser i evnen til substitusjon og seleksjon. Ordet ”sort” blir til ”Hva man gjør for den døde” og så forkortet til ”død”. Når den selektive evnen er sterkt skadet men evnen til kombinasjon er bevart, bestemmer kontinuitet (nærhet) hele den språklige adferden. Kontiguitetsforstyrrelser: Her er det evnen til å danne setninger som er forstyrret. De syntaktiske regler som organiserer ord til setninger er gått tapt. Denne typen afatiker har inne sitt ordforråd. Det fins ingen ordløshet men ordfølgen blir kaotisk; Grammatiske side og underordningsforbindelser, kongruens eller styring, er oppløst. Konjunksjoner, preposisjoner, pronomener og artikler forsvinner først. Tilbake står en telegram stil. Kjerneordene, ord som ikke er avhenger grammatisk av konteksten er mest seiglivet. Infantile ettordsetninger og ensetningsyttringer er her vanlig, men noen få stereotype setninger kan overleve. Kontekstdannelsen oppløses men den selektive operasjonen fortsetter. Pasienten baserer språket på likheter og er av metaforisk natur, ettersom substitusjonsevnen fortsatt er intakt. Men disse metaforene står i motsetning til retoriske eller poetiske metaforer fordi de ikke er bevist valgte.
De metaforiske og metonymiske poler: Vi har sett a metaforen er uforenelig ved similiritetsforstyrrelse og metonymien med kontiguitetsforstyrrelse. I den litterære kunst er en interaksjon mellom disse to elementer vanlig. I romantikken er det anerkjent at den metaforiske prosess hadde forrang. Den andre språklige evnen som har med kombinasjon å gjøre og som er tatt mer i bruk under den realistiske perioden og som kommer til uttrykk ved utstrakt bruk av metonymier er ikke så mye oppmerksomhet. Tolstoy er et eksempel på en forfatter som legger vekt på synekdokiske detaljer mer enn symboler (underliggjøring?). Også innenfor andre tegnsystemer (kunstarter) er det vanlig at den ene eller den andre av disse prosesser har forrang. Kubismen kan man si er metonymisk orientert ved at gjenstandene den gjengir blir forvandlet til et sett av synekdoker. Surrealistene derimot hadde en åpenbar metaforisk holdning.
Derrida er vanskelig tilgjengelig og særdeles vanskelig å skrive noe sammendrag fra. Jeg har slitt veldig med dette, men ved å bruke forelesningsnotater og artikkel og en liten porsjon ”vettug sans”, i den grad det fremdeles er noe av den…, har jeg fått sydd sammen dette. På slutten av dokumentet har jeg tatt med noen sentrale utdrag fra teksten, og prøvd å oversette dem på en høvelig forståelig måte. Jeg beklager forsinkelsen – men håper dere kan dra noe nytte av dette. Artikkelen er et konsentrat av en avhandling hvor Derrida nærleser følgende 2 tekster:
Artikkelen angår ikke spesielt litteratur; men alle vitenskaper og epistemer.
Logosentrismen opererer med totalitet/ finalitet, og for å figurere dette opererer man ofte med SENTRUM. Men: Å postulere at det finnes et sentrum innebærer samtidig at det må finnes noe som er perifert. Hele denne tradisjonen er med andre ord basert på MOTSETNINGER, og disse er ordnet hierarkisk. I logosentrismen har for eksempel talen forrang foran skriften (som er perifer).
Denne forskjellen kan ikke fastholdes uten at man forutsetter et skille mellom sensibles (det sanselige) og intelligibles (det intelligible).
Forholdet mellom tale og skrift samsvarer med forholdet mellom natur og oppdragelse hos Rousseau.
Talen er også tegn, og skriften kan forstås som innrissing av tegn. Ut fra dette må skriften kunne betraktes å omfatte hele det språklige felt. Skriftens mulighet til å få rom i talen forstyrrer talens selvnærvær og gjør skriften til mer enn et supplement. Skrift gjør 2 ting:
Metafor: SPYDET Differancebegrepet er utenfor strukturen, men hele tiden bundet til effekten; og er samtidig selv effekt. Men det er ikke selv uten struktur, det produserer selv struktur.
Derrida studerer forutsetningene og fundamentet som strukturtenkningen hviler på.
Sentrale utdrag fra artikkelen:
Hovedmomenter i artikkelen:
Den franske semiologien har hatt en avmystifiserende innvirkning på fransk historisk og tematisk kritikk. Den viste at fornemmelsen av språkets litterære dimensjoner fordunkles om man ukritisk gir etter for referensens autoritet. Den underminerer myten om en semantisk overensstemmelse mellom tegn og referent. Semiologien i dag: Bruk av grammatiske strukturer sammen med retoriske strukturer, uten noen synlig bevissthet om en mulig diskrepans dem imellom. Forenkling: Studiet av troper og figurer blir rett og slett en utvidning av grammatiske modeller (Todorov utvikla en systematisk grammatikk for litterære modi, genrer og til og med stilfigurer.) De Man stiller spørsmål om hvor de retoriske figurene kan innesluttes i en slik taksonomi. Han ser grammatikkens epistemologi som forskjellig fra retorikkens epistemologi, mens derimot gammatikken og logikken står i en binær relasjon til hverandre. Når retorikken oppfattes som overtaling, som en faktisk påvirkning på andre (og ikke som en intralingvistisk figur eller trope) framstår kontinuiteten mellom grammatikkens illuksjonære område og retorikkens perlokusjonære område som selvsagt. De Man viser til Pierce som understreket distinksjonen mellom grammatikk og retorikk. Pierce: Den rene retorikken -”et tegn føder et annet”-, skiller seg fra den rene grammatikk (som postulerer muligheten av en uproblematisk, tosidig betydning), og fra den rene logikken (som postulerer muligheten av en universell sannhet hos betydningene). Det retoriske spørsmål er den mest åpenbare symbiose mellom en grammatisk og en retorisk struktur. Et retorisk spørsmål har minst to betydninger, en bokstavlig og en figurativ, og eneste måte å finne betydningen på er å gripe til utenomtekstlige forhold. De Man bruker Yeats’ dikt ”Among school children” som avsluttes med: ”How can we know the dancer from the dance?” De Man sier at dette vanligvis tolkes som et utsagn med den sterke emfasen hos et retorisk grep, om den potensielle enheten mellom form og opplevelse, mellom skaper og skapelse. Ifølge De Man er det imidlertid like mulig å lese det bokstavlig som figurativt, selv om dette ikke er den enkleste lesningen. Danser og dans er jo ikke det samme. Om man gir spørsmålet en desperat undertone: ”Please tell me, how can we know the dancer from the dance?” vil hele den første lesningen dekonstrueres. Hver symbolsk detalj erstattes av en divergerende tolkning. De Man mener at de to lesningene må engasjere hverandre i en direkte konfrontasjon; det kan ikke finnes noen dans uten en danser, ikke et tegn uten en referent. Neste teksteksempel er et utdrag av Proust. De Man innleder med spørsmålet: Forener virkelig lesningens metafor den ytre betydning med en indre forståelse, handling med refleksjon, til en helhet? De Man sier at tekstpassasjen handler om metaforens estetiske overlegenhet over metonymien. Likevel gjør ikke teksten det som den prediker. En retorisk lesning åpenbarer at den figurative praksisen og den metafigurative teorien ikke sammenfaller, og at utsagnet om metaforens overlegenhet over metonymien blir overbevisende gjennom bruk av metonyme strukturer. De Man kaller dette for grammatikalisering av retorikken. Den motsatte bevegelsen – retorisering av grammatikken – er det som kjennetegner det retoriske spørsmål. Den sistnevnte leder til ubestemthet, til en uvisshet som ikke kan velge mellom to ulike lesemåter, den førstnevnte ser ut til å nå fram til en sannhet, dog på en negativ måte gjennom å demonstrere en feil, et falskt premiss. Leder så grammatikaliseringen av retorikken til en negativ visshet, eller havner også den i en svevende uvisshet om sin egen sannhet eller falskhet? Hvert spørsmål om en litterær teksts retoriske modus er alltid et retorisk spørsmål, som ikke engang vet om den overhodet stiller noe spørsmål. Foreløpig utkast!!! Plassering: Egentlig strukturalist – senere en av grunnleggerne av poststrukturalismen Artikkel: "Tekstteori" (1973) Tegnets krise Tegnet og teksten har den samme tosidigheten representert ved signifikant og signifikat. Innledningsvis redegjør Barthes for den klassiske oppfatningen av tekstbegrepet som en lukket, uforanderlig, varig og sikker enhet. Det vil si at teksten, liksom tegnet, har en opprinnelig, original mening, og at det sentrale ved tilnærmingen til teksten blir å finne tilbake til denne opprinnelige meningen, signifikatet er altså ensidig. Jeg vil tro at dette kan være en parallell til det platonsk inspirerte, originale kunstsynet. Der oppfattes det slik at den opprinnelige, originale, geniale og inspirerte kunstneren skaper kunstverket i sin guddommelige inspirasjon, og at denne følgelig ligger 'innbakt' (immanent) i kunstverket. Senere tiders iakttakere av kunstverket kan (bør) så gjennom konsentrert kontemplasjon ('dypdykk') av verket gjenoppleve den samme inspirasjonen og visjonen som en gang drev kunstneren til å skape. Det vil altså si at kunsten er tidløs! Barthes' definisjon av det klassiske tekstbegrepet ser ut til å ligge svært nært dette kunstsynet. Videre introduserer Bartes sin definisjon av signifikant og signifikat
Da teksten over tid kan ha blitt påvirket av ulike faktorer, ble det viktig å gjenskape signifikanten slik at den på nytt kunne lede fram mot det opprinnelige, klassiske, originale signifikatet (budskapet, innholdet). Jeg oppfatter det derfor slik at signifikanten ikke nødvendigvis måtte være identisk med det opprinnelige, men at den måtte produsere en "tekst" som representerte det entydige originale, det "semantisk korrekte" budskapet. (men her er jeg litt usikker....) Sannheten (ideen) og teksten skal følgelig være to sider av samme sak, noe som lett kanoniserer, eller institusjonaliserer, tolkningen av teksten og fører til at ulike tolkninger skaper grobunn for strid. Denne oppfatningen av teksten som representant for noe evig og oversanselig 'sant', kaller Barthes 'sannhetens metafysikk'. Han presenterer så det han kaller for 'tegnets krise', som er et resultat av "ideologikritikken av tegnet og framveksten av et nytt tekstbegrep". Her vil jeg tro vi har kommet til de Saussure og strukturalismen... Lingvistikken (språkvitenskapen) legitimerte tegnet (signifikant og signifikat) som begrep, noe som innebar en generell vitenskaplig aksept av den "sannhetens metafysikk" jeg har nevnt ovenfor. Omkring 1960, i "den strukturelle lingvistikkens glansperiode", vokste det så fram en kritikk av tegnbegrepet. Lingvistikken virket her inn på tre måter:
Lingvistikken har setningen som sin største enhet, mens man i økende grad fikk behov for et tekstbegrep som representerte enheter større (eller mindre??) enn setningen og alltid var strukturelt forskjellig fra den. Den litterære semiotikken oppfattet teksten kun som en samling av lingvistiske fenomener. Men, nå hevet teksten seg med ett fra å være et rent teknisk-lingvistisk begrep til et høyere nivå der man gjennom teksten "studerer betydningens semantiske særpreg samt den narrative eller poetiske syntaks". Fortsatt var det imidlertid slik at teksten ble studert som en immanent (iboende) egenskap ved det autonome verket "av et lærd subjekt". I praksis innebærer dette at man ennå ikke vurderte teksten i lys av ytre sosiologiske, historiske og/eller psykologiske faktorer. Det vil si at dette foreløpig ikke innebar noen "epistemologisk mutasjon". Og hva er så en "epistemologisk mutasjon"? Min oppfatning er at begrepene "epistemologisk mutasjon" og "pardigmeskifte" begge innebærer utviklingen av en ny diskurs, og dermed er relativt synonyme. I avsnittet om "Tegnets krise" hevder Barthes at spenningsforholdet skissert ovenfor, der tekstbegrepet sprenger den strukturelle lingvistikkens ramme, har ført til nettopp en slik epistemologisk mutasjon, eller paradigmeskifte. Han understreker imidlertid at det ikke skapes noen ny mutasjon (vitenskap) kun ved utvidelse av en gammel diskurs. For at det skal finne sted et paradigmeskifte (eller en epistemologisk mutasjon), må det finne sted et møte mellom to eller flere epistemer (vitenskaper) som sammen produserer et nytt objekt (her: 'tekstforståelse' eller 'tekstbegrep'). Den nye diskursen (vitenskapen) har i dette tilfellet oppstått ved møtet mellom tre kunnskapsteoretiske områder (diskurser): lingvistikken, psykoanalysen og den dialektiske materialismen. Kort sagt tror jeg Barthes mener at det nye tekstobjektet/-begrepet omfatter aspekter fra språkvitenskap (lingvistikken), historie og sosiologi (Marx), samt psykologien (Freud). Kapittel 2 – Tekstteori Man bruker begrepet 'syntesefag' om mange fagområder, for eksempel geografi og sosialantropologi. Dette innebærer at diskursen inneholder elementer fra en rekke ulike fagområder, og at hypoteser og konklusjoner utledes på bakgrunn av disse. Slik oppfatter jeg også det utvidete tekstbegrepet. Det er viktig å forstå at "Teksten er et språkfragment som selv er plassert i et perspektiv av mange språk", og at man "selv praktiserer tekst". I praksis forstår jeg dette slik at en tekst har i seg elementer fra andre diskurser, og at en forutsetning for å føle at man 'forstår' teksten er at man i den kan se slike 'elementer'. En sentral påstand er at man kan nærme seg teksten "definitorisk, men også (og kanskje helst) metaforisk". Her kommer bruddet med strukturalistisk semiologi klart fram. Jeg oppfatter det slik at "definitorisk" innebærer en strukturalistisk-lingvistisk tilnærming som ligger klart innenfor rammene definert ovenfor. En "metaforisk" tilnærming krever at man i tillegg til å inkludere psyko-sosiale aspekt, også er seg bevisst den subjektiviteten dette innebærer. (ulike mennesker oppfatter samme tekst ulikt) Julia Kristeva gir en kunnskapsteoretisk (epistemologisk) definisjon av 'tekst' der hun anvender følgende teoretiske begrep:
Betydningsbærende praksis Her er det helt sentralt å akseptere det tekstbegrepet som er definert ovenfor (forenklet: ulike menneske oppfatter samme tekst ulikt). Teksten har som "funksjon" å produsere betydning/mening. Tekst framkommer gjennom møtet mellom språksystemet og andre tekster. Videre slås det fast at tekst er en betydningsproduserende praksis, og at en betydningsproduserende praksis "er et differensiert tegnsystem som er underordnet en betydningstypologi". Dette er hovedpunktet i avsnittet, og det innebærer at teksten er organisert som fragmenter fra andre tekster i en gitt setting. Betydningen av en tekst (signifikatet) kan følgelig oppfattes ulikt fra person til person alt ettersom vedkommende oppfatter de ulike tekstelementene (signifikantene) som subjektet (hovedteksten) er bygd opp av. (altså: "betydning oppstår i henhold til den flerfoldighet som danner utsagnssubjektet – som med en i seg selv ustabil utsigelse alltid taler under den Andres blikk, under hans diskurs") Konklusjonen blir følgelig at subjektets (tekstens) flerfoldighet ikke lenger lar seg innordne i lingvistikkens klassiske skjema. Produktivitet Her bruker Bartes igjen en scenisk metafor for å eksemplifisere begrepet. I forrige avsnitt skriver han at tekstens funksjon er å "teatralisere" det 'arbeidet' som utføres i møtet mellom subjektet og språksystemet. Her hevder han videre at teksten er "scenen for en produksjon der tekstprodusenten og leseren møtes". I møtet med leseren dekonstrueres språket (teksten) og det rekonstrueres et annet språk (en annen tekst) hos leseren. Det vil i praksis si at man kan tenke seg at teksten produserer en uendelighet av nye tekster straks den begynner å arbeide, og at denne produksjonen da selvfølgelig fortsetter i det uendelige også etter at teksten er skrevet. Konklusjon: "Teksten er produktivitet." Betydningsprosesser Barthes innleder avsnittet med nok en oversikt over det klassiske tekstbegrepet der signifikatet representerer en opprinnelig 'korrekt' betydning. Kjernen i avsnittet er imidlertid Barthes skille mellom utsagnets produktnivå og signifikantens produksjonsnivå. Det sistnevnte innebærer den prosessen som foregår i møtet mellom tekstens mangesidighet (teksten består av deltekster fra andre diskurser) og leseren. Betydningsprosessen blir da det arbeidet som gjør teksten produktiv (se avsnittet ovenfor). Dette er muligens en overforenkling av avsnittet, men dog et forsøk på forklaring. Personlig vil jeg tro at den Andre også spiller en rolle i denne prosessen, da vedkommende tilfører prosessen sine subjektive input i form av konnotative faktorer (deltekster) i prosessen, som driver fram et uendelig antall nye tekster og dermed et uendelig antall nye signifikat. Andre forslag mottas med stor takk :-) (orgasmekommentar: avslutningen på avsnittet representerer tekst hvis dekonstruksjon for meg produserer konnotasjoner som rekonstruerer ny tekst der en av flere mulige betydninger i dens polysemiske rom innebærer at livet på professorenes uoversiktelige og støvfylte kontorer ikke nødvendigvis behøver å være trist og kjedelig!) Fenotekst og genotekst Fenoteksten er den delen av teksten som er "semiologiens priviligerte objekt", det vil si den delen som utforskes av lingvistikken/semiologien. Genoteksten ligger fjernt fra semiologien. Det er den delen av teksten der dekonstruksjon/rekonstruksjon finner sted, dvs. der man finner den betydningsproduserende praksis som initierer produksjon Intertekst Hver tekst er en intertekst! Som tidligere nevnt består enhver tekst av bruddstykker av andre tekster. Med fare for å gå fullstendig i vannet vil jeg eksemplifisere med filmatisering av et musikkverk. Denne vil frambringe en 'tekst' med utallige signifikanter, eller bruddstykker fra andre tekster. Disse kan være materalisert gjennom musikk, sang, tale, handling, omgivelser, visuelle virkemidler, etc. etc. Totaliteten av deltekstene vil representere den betydningsproduserende praksis som skaper produktivitet og dermed initierer betydningsprosessen som "under den Andres øyne" resulterer i en uendelighet av nye tekster. Det dreier seg her følgelig om dekonstruksjon og rekonstruksjon. Fortolkningen av en tekst må innebære et forsøk på å kartlegge deltekstene (signifikantene) teksten består av(...og det prøver vi faktisk på i skolen fra tid til annen). Kapittel 3 – Teksten og verket Verket er noe vi f.eks. kan sette i bokhylla. Teksten er, som vi har forstått, noe ganske annet, og den kan kun erfares gjennom betydningsprosessen. Teksten deles inn i to felt: lingvistikken tar seg av alt som er mindre eller av samme omfang som setningen – alt som går ut over setningen, hører til den retoriske diskursen. Betydningsprosessen foregår på alle plan og likner "drømmearbeidet" til Freud. Tekstens kritiske verdi vurderes på grunnlag av intensiteten i betydningsprosessen, og betydningsprosessen kan virke også i populærlitteratur. Det er også viktig å merke seg at vi (som eksemplifisert ovenfor) finner betydningsproduserende praksis i bilder, film, musikk, etc. og at denne kan igangsette betydningsprosesser som skaper tekst. Lesersubjektet blir videre trukket inn i den betydningsproduserende praksis. Dette har jeg gjennom hele dette notatet oppfattet som "den Andres blikk" (håper det stemmer). Kapittel 4 – Tekstuell praksis Her er det stopp! Sentrale begrep: lisible / scriptible Lisible: Tekst som tvinger leserne til passiv forfatteraksept Scriptible: Tekst som fortrenger forfatteren og inviterer leseren til selv å skrive tekst Artikkelen hviler på det tekstbegrepet som er diskutert i sammendraget ovenfor. Hovedbudskapet i artikkelen er, som overskriften tilsier, at forfatteren er død. Enhver tekst skrives på nytt hver gang en ny leser forholder seg til den. Egentlig er hele artikkelen kun en repetisjon av det som tidligere er skrevet om betydningsproduserende praksis, produktivitet og prosess. Forfatteren blir dermed uinteressant. Det er møtet mellom bruddstykkene av ulike tekster i teksten og lesersubjektet som står sentralt. Med et slikt utgangspunkt blir forfatterens bakgrunn, holdninger, etc. uinteressante, og det er lesersubjektet som 'skriver' – ikke forfatteren. Tradisjonell teksttilnærming konsentrerer seg derimot om forfattersubjektet, og er lite interessert i lesersubjektet. En slik tilnærming vil i liten eller ingen grad produsere ny tekst, og den ender opp med et endelig (kanonisk) signifikat. Ref.: Foucault - "What is an Author" Michel Foucault – "What is an Author?" (Jon) Jeg oppfatter denne artikkelen som en forholdsvis langdryg innføring i ønsket om en overgang mot et klasseløst samfunn der diskurs utvikler seg fritt og uten påvirkning av diskursive autoriteter/eiere. Det er fristende å si at utgangspunktet et Barthes artikkel "The Death of the Author" ovenfor.
To sentrale tendenser til å fjerne forfatteren som maktfaktor virker i motsatt retning (s.198).
Han gir forfatterfunksjonen fire karakteristiske trekk i forhold til diskursen:
Han nevner også såkalte 'transdiskursive' forfattere som Marx og Freud som en motsetning til forfatterne av litterære sjangrer (f.eks. Ann Radcliffe). De sistnevnte farger diskursen ved å sette klare rammer, mens de førstnevnte åpner for muligheten til å videreutvikle, endog sprenge, den opprinnelige diskursen, og de utvikler dermed en diskursiv praksis. Innen en vitenskap vil det momentet som initierte vitenskapen utgjøre en del av den vitenskaplige diskursen sammen med og på lik linje med framtidig videreutvikling. En påvist lovmessighet vil stå sentralt uansett videre forskning. Igangsetteren av en diskursiv praksis, f.eks. Freuds psykolanalyse, vil ikke nødvendigvis representere et bærende element i den videre utvikling av diskursen. En ny gjennomgang av Gallileo Gallileis tekster kan endre vår kunnskap om mekanikkens historie, men den kan aldri endre selve mekanikken. På den andre siden vil en ny gjennomgang av Freuds tekster kunne modifisere selve psykoanalysen, akkurat som en ny gjennomgang av Marx vil kunne modifisere marxismen. (s. 208).
Videre gir hun en kort klassifisering eller poetikk over feministisk litteraturkritikk. Den har to klart adskilte varianter :
I denne artikkelen forsvarer Kittang bruk av psykoanalysen i litteraturforskningen. Han peker på svake og sterke sider ved bruk av psykoanalysen i litteraturkritikk. Psykoanalysen legger vekt på å fange opp det ubevisste i teksten med vekt på det behovet for stadfesting av seg selv(eg-drifter) og behovet for erotisk tilfredstilling (seksualdrifter). Man ser etter det usagte i teksten. Den litterære teksten blir sett på som et spill mellom ulike krefter som underbevissthet og bevissthet, lystprinsipp og realitetsprinsipp, primærprosess og sekundærprosess. Teksten snakker alltid med flere stemmer enn sekundærprosessens slik at den ikke kan tas for å være det den utgir seg for. Kittang starter artikkelen med en (lang) rettferdiggjøring av psykoanalysens plass i litteraturforskningen. Han sier at den psykoanalytiske kritikerens særegne synsvinkel er det ubevisstes påvirkning på kunstverket, og at den psykoanalytiske metode innen litteraturforskningen gir et korrektiv til dagens dominerende tendenser i oppfattelsen av hva litteratur er. Både Freuds litterære analyser og den psykoanalytiske terapien er bygd opp som en innsiktskapende prosess. Dikterens virksomhet skal på linje med drømmerens, være en ønskeoppfylling, sprunget ut av 2 grunnleggende driftsimpulser som er behovet for selvstadfesting (jeg-drifter) og behovet for erotisk tilfredstilling (seksualdrifter). De ubevisste (latente) drømmeønskene blir til manifest drøm gjennom et komplisert sjelsarbeid. På samme måte må dikterfantasiene dempe og forkle de dypereliggende driftsimpulsene for å kunne materialisere seg og tilegnes leseren. Dikterbevisstheten har to grunnstrategier til å gjøre dette. De uakseptable ønskefantasiene (fantasma) blir transformert til akseptable fantasier. Samtidig blir de ”organisert i ei estetisk form som i seg selv er lyst-vekkende og dermed legitimiserer den egentlige, dypereliggende lysta vi ubevisst opplever i møte med de fortrengte fantasma”. Freud sier at den egentlige nytelse ved et diktverk skyldes at den frigjør sjelelige spenninger i oss. Et problem for psykoanalytisk litteraturkritikk er hvordan å gå fram for å finne ubevisste forestillinger i en tekst. Hvem tilhører disse forestillingene – dikteren/ leseren/”teksten sjøl” ? Freud så nærmere på litteratur som hadde stor likhet i sin formelle struktur med strukturen i den psykoanalytiske terapien. Diktverket sees på som en ønskeoppfylling. Spørsmålet blir om dette også gjelder ”stor diktning”. Kittang nevner et kreativitetsproblem: Kan kunstskapinga tolkes som en særegen menneskelig aktivitet til forskjell fra den fantasivirksomheten vi alle søker tilflukt i i søvn og våken tilstand? Ved utvikling av psykoanalysen kom det fram to hovedretninger:
Del 3 ”Tekstens 'scene' – og psykoanalysens” gir en drøfting av problemet ved å la en metafor om en annen scene ligge til grunn for den psykoanalytiske tolkningen av litterære tekster. Med litterære eks. fra Ibsen, Roald Dahl og Hamsun. Kittang sier at psykoanalysens terapeutiske situasjon svikter som grunnlag for en litterær tolkningsteori når den litterære tekstens relasjoner til det ubevisste ikke lar seg forklare etter modellens egne premisser. Samtidig blir den vanskelig å anvende som en estetisk teori fordi skillet mellom ”kunst” og annen fantasiproduksjon blir uklart. Han fortsetter med positive sider ved å anvende psykoanalysen i litteraturfolkning ved å påstå at den psykoanalytiske læra har revolusjonert våre oppfatninger av mennesket med innsyn i det kompliserte nettet av tildriv og motiv som styrer våre kommunikative handlinger. Psykoanalysens grunnlegger hentet viktige impulser til sine teoretiske formuleringer fra forrådet av litterære tekster iberegnet begreper og teorier om ødipus, narcissisme og kastrasjonsfantasme . Litteraturen er slik sett referanseramma til psykoanalysen. Dette gir et indre forhold mellom psykoanalysen og litteraturen. Konklusjonen til Kittang er at tross fallgruver og problemer ved å anvende psykoanalysen i litteraturforskningen, kan dette være fruktbart når litteraturforskeren lar diktekunsten og psykoanalysen navngi hverandre. Da kan psykoanalysens begreper hjelpe til med å utforske spenningene mellom illusjon og sannhet og finne fantasilivets rolle i tilværelsen vår og gi innsikt i de dyptgående konfliktene som individet former sitt psykiske og sosiale liv gjennom. Dette blir et møtested mellom diktekunsten og psykoanalysen, noen ganger med litteraturtolkeren som formidler. |
|||||||||||||||||||||||||||||||||||||||
|
|
|||||||||||||||||||||||||||||||||||||||